История развития казахстанской живописи
СОДЕРЖАНИЕ
ВВЕДЕНИЕ ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... . ... ..стр.3
ГЛАВА I. ИСТОРИЯ РАЗВИТИЯ ЖИВОПИСИ ... ... ... ... ... ... ... стр.4
1. История развития мировой живописи. ... ... ... ... ... ... ... ... ... ...стр.4
2. История развития казахстанской живописи ... ... ... ... ... ... ... ... .стр.13
ГЛАВА II. МЕТОДИЧЕСКИЕ РАЗРАБОТКИ ПО ЖИВОПИСИ ДЛЯ 4-5 КУРСА
ХГФ ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ..
... ... ... ... ... ... ...стр.19
2.1 Специфика учебных и творческих задач по станковой живописи ... ..стр.20
2.2 Решение цвета, тона и колорита ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... стр.23
2.3 Техника и технология живописи ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... стр.24
ЗАКЛЮЧЕНИЕ ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... .стр.32
СПИСОК ИСПОЛЬЗУЕМОЙ ЛИТЕРАТУРЫ ... ... ... ... ... ... ... ...стр.34
ПРИЛОЖЕНИЯ ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... .стр.35
ВВЕДЕНИЕ
В своих трудах по проблемам педагогического творчества ученые
единогласны в том, что творческая профессиональная деятельность во многом
определяется уровнем научной подготовки, а так же духовным развитием. Форма
духовной культуры есть исторически сложившееся синтезированное содержание
опыта конкретного народа, которое будучи содержанием, усвоенным в прошлом,
оказывается способом практической и духовной деятельности. Сказанное
означает, что опыт прошлого является способом усвоения новой культуры. При
этом новый более богатый опыт народа преобразует старый опыт, сохраняя его
как свой момент.
Живопись, являясь самостоятельным высшим искусством,
одновременно и наука, обучающая мыслить формой и цветом, изучать технику и
технологию взаимодействия различных красок на практической работе,
изображать пластическую структуру предмета в трехмерном пространстве.
Программа по живописи, основана на использовании лучших традиций и
опыта мировой и Казахской реалистической школы, ориентирует студентов на
углубленное изучение натуры человека и окружающие его предметы.
Постепенно усложняющаяся последовательность в процессе обучения
позволяют сочетать изучение всего многообразия натуры с ее художественно-
образной трактовкой на плоскости.
Основной целью курса живописи является изучение свойств
взаимодействия разных цветов, цвето - колористическое и тоновое сочетание.
Поэтапное овладение мастерством и навыками работы кистью красками разных по
размеру и сложности основах. Воспитание в студентах художественного
видения, овладение знаниями и закономерностями живописи при изображении
окружающего нас мира. А также цель программы развить образно- ассоциативное
мышление и творческие способности у студентов необходимые в будущем при
создании больших произведений монументального искусства.
На начальных курсах учебным заданием является этюды головы человека,
мужской и женской. На старших курсах при переходе к фигурам, большее
значение приобретает необходимость предварительных поисков компоновки на
холсте. Перед каждым заданием делается небольшой этюд в котором надо решить
основные задачи композиции и колорита. Выполнение подготовительного картона
для живописи является необходимым для специализации Станковая живопись.
На четвертом курсе основным заданием является фигура человека одетая
и обнаженная. Углубляются общие живописные задачи цвета, тона фигуры.
Особое внимание уделяется умению писать детали всей постановки и особенно
фигуры, тем самым создание художественного образа человека. Важно научиться
писать окружающие предметы и пространство, выявление передних и задних
планов. Требуется образная выразительность, монументальность,
композиционная убедительность, цвето - колористическая верность. Смелый
живописный подход, неожиданное композиционное видение, выразительная
передача изображаемых образов - является приоритетным при оценке всех
заданий курса Живопись.
На пятом курсе, завершающем курс живописи студенты должны выполнить
несколько сложных постановок. Практическое изучение законов живописи
продолжается работа над групповыми постановками. Большое значение
приобретает передача пространства цветом и тоном, влияние света (прямое и
боковое освещение). Особое внимание уделяется связи двух и нескольких
фигур, цельному решению в пластике, цвета и тона. Очень важно узнаваемость,
живописная экспрессивность, композиционная убедительность при подходах
создаваемых образов.
Каждое задание должно начинаться с разъяснения цели и задачи
постановки, а также пути их преодоления. Практическая работа студентов над
заданием начинается с выполнения: композиционных эскизов в карандаше, для
нахождения наиболее грамотного решения поставленной задачи эскиза
постановки в цвете, подготовительного рисунка на бумаге (картон) и самого
этюда в заданном размере. Задание выполняется поэтапно в присутствии
руководителя курса.
ГЛАВА I. ИСТОРИЯ РАЗВИТИЯ ЖИВОПИСИ
1.1 История развития мировой живописи
Искусство старо, как мир - начало его теряется в глубокой древности.
Лишь только люди объединились в общества, создали религию, образовалось и
искусство, одним из первых проявлений которого была живопись.
Среди всех видов изобразительного искусства живопись пользуется у
зрителей наибольшей популярностью. Если произведения скульптуры
представляют собой объёмные тела, а графики – большей частью чёрно-белые
рисунки на листах бумаги, то живопись воплощает образы действительности в
их красочном богатстве и блеске с помощью красок, наносимых на какую либо
поверхность. Образы живописи очень наглядны и убедительны для
воспринимающего их зрителя. Ей доступно воспроизведение на плоскости объёма
предметов, их материальной плоти, глубины изображаемого пространства,
окружающей предметы световоздушной среды, впечатляющих эффектов освещения.
Живопись способна запечатлевать и раскрывать сложный мир человеческих
чувств, переживаний, характеров, передавать тончайшие оттенки настроения,
неуловимые мгновения в жизни человека и природы. Живописи может быть
свойствен самый высокий полёт художественной фантазии, она способна
воплощать непреходящие, вечные, общечеловеческие идеи. В классовом обществе
живопись в свете тех или иных идеологических концепций отражает и оценивает
духовное содержание эпохи, особенности ее социального развития.
Идейное содержание произведения живописи обычно конкретизируется в
сюжете. Иногда сюжет представляет собой развёрнутое повествование, часто
заимствованное из какого-либо мифологического, легендарного или
литературного источника. Живописец претворяет сюжет живописными
пластическими средствами (композиция, рисунок, цвет, ритм и т.д.) и дает
изображаемому событию свою оценку.
Принято считать, что живописец может запечатлеть лишь определённый
момент, как бы остановившееся мгновение. Однако живопись способна передать
и ощущение временного развития. Это достигается особой ритмической
организацией изображения, композиционными построениями, динамикой цвета,
распределением светлых и тёмных пятен на плоскости картины, характером
линий, способом наложения мазков и т.д. Полнота охватываемых живописью
явлений действительности проявляется также в обилии присущих ей жанров. По
своему практическому назначению живопись разделяется на монументальную,
станковую, театрально-декоративную, декоративную роспись предметов
домашнего обихода, иконопись, миниатюру, диораму, панораму. Каждая из
разновидностей живописи отличается характером исполнения и спецификой
художественных образов.
Живопись стала одной из самых первых видов искусства. Уже в период
позднего палеолита (около 30 - 40-го тысячелетия – 10 – 8-го тысячелетия до
н. э.) были найдены первые памятники искусства. Первобытный человек был
прежде всего охотником, его художественное творчество вдохновлялось
окружающей средой, природой, богатым животным миром и было посвящено
главным образом охоте.
Первобытные художники стали основоположниками всех видов
изобразительного искусства: графики (рисунки и силуэты), живописи
(изображения в цвете, выполненные минеральными красками), скульптуры
(фигуры, высеченные из камня или вылепленные из глины).
Ранние произведения первобытного искусства были схематичными и
статичными, как, например, рисунки звериных голов на известняковых плитах в
пещерах Ла-Феррасси (Франция).
В течение тысячелетий совершенствовалась техника изображения. Если
рисунки раннего ориньяка (33 - 19-е тысячелетие до н. э.) ещё крайне
примитивны, то относящиеся к позднему ориньяку, например те, что украшают
пещеры Ласко во Франции, гораздо динамичнее, живее.
В эпоху солютре (около 18 – 15-го тысячелетия до н. э.) часто
встречаются скульптурные изображения животных. Период высшего расцвета
палеолитического искусства – эпоха мадлен (ок. 15 – 8-го тысячелетия до н.
э.), когда появляются объёмные изображения мамонтов, северных оленей,
бизонов, кабанов в движении, в характерных позах.
Более поздние этапы развития первобытной культуры относятся к
мезолиту (среднекаменному веку), неолиту (новому каменному веку) и ко
времени распространения первых металлических орудий (медно-бронзовому
веку). В рисунках этого периода сохраняются черты схематизации и в то же
время налицо стремление зримо передать то или иное действие, событие. Все
чаще встречаются изображения людей, участвующих в охоте или военных
столкновениях. Нередко рисунки вырезаются на скалах или отдельных камнях -
их называют петроглифами или каменными письменами.
Искусство первобытной эпохи послужило основой для дальнейшего
развития мирового искусства.
На протяжении столетий живопись в своем развитии претерпевала
множество изменений.
Еще древние египтяне изображали на стенах храмов и дворцов
различные бытовые сценки, животных, растения. Это были первые шаги бытового
жанра.
В I веке до н. э. - IV веке н. э. на территории Египта на лица
умерших стали класть не маски, как раньше, а портреты, написанные на досках
или холстах красками, растертыми на воске (такая техника живописи
называется энкаустикой). Энкаустика – это живопись красками, где главным
связующим звеном был воск. Так в живописи возник портретный жанр. Эти
портреты стали называть фаюмскими - от Фаюмского оазиса в Египте, где они
впервые были найдены. Изображения выполняли ритуально- магические функции.
Вазопись- искусство украшать росписями поверхность ваз - была
развита в Греции с незапамятных времен. Именно тогда родился мифологический
жанр. Такие вазы назывались чернофигурными. С конца VI в. до н.э.
распространился новый прием росписи ваз: фигуры стали светлыми, так как фон
между ними покрывался черным лаком. На краснофигурных вазах образы
мифологии в значительной мере уступили место жанровым и бытовым сценам,
точно схваченным и запечатленным художником.
Созданные в Древней Греции замечательные произведения искусства
являлись высочайшим достижением человеческого гения и оказали огромное
влияние на искусство народов всех последующих веков.
Такое же грандиозное впечатление оставляет и искусство Древнего
Рима. Художники Древнего Рима любили создавать живописные портреты (в
технике восковых красок). Яркого расцвета в Риме достигла и фресковая
живопись. Многие стены жилых домов и общественных зданий в Риме внутри были
сплошь покрыты фресками. Нередко фрески представляют собой выразительные,
полные красоты и очарования орнаменты из стеблей, цветов, фигурок людей,
сюжетные картинки на темы греческих и римских мифов, на темы произведений
античных поэтов.
Широко применялись в искусстве Древнего Рима мозаика и прикладное
искусство. Римские мозаичисты, используя мелкие кубики, вырезанные из
разноцветных камней или отлитые из стеклянной массы, создавали не только
сложные орнаменты, но и целые картины, такие же яркие и красочные, как и
живописные.
Период развития культуры и искусства Западной Европы со времени
падения Западной Римской империи (V в.) до начала эпохи Возрождения (XV
в.) впервые был назван средним веком итальянскими писателями-
гуманистами. Они считали это время диким и варварским в противоположность
античности и культуре их времени.
Культура средневековья полностью находилась под властью церкви,
она формировалась под воздействием церковных христианских представлений о
мире. Располагая огромными богатствами, церковь в средние века была главным
заказчиком художественных произведений и направляла развитие культуры и
искусства в своих интересах. Так, уже в раннем средневековье стали
складываться строгие правила, каноны в изображении священных сюжетов,
которыми должны были руководствоваться все художники. Подчиняясь авторитету
церкви, многие поколения зодчих, скульпторов, художников, выражая в своих
произведениях думы, чаяния своего времени, вынуждены были показывать
окружающий мир в условных, отвлеченных образах. Но и сквозь символы и
условность пробилась живая, трепетная душа архитектора, скульптора,
живописца, стремившегося познать мир, правду и рассказать о своих чувствах,
своем понимании мира, жизни другим людям. Вот почему эти произведения
пережили свое время, обогатили мировую культуру и сейчас являются для нас
бесценными.
Возрождение - новый этап в истории мировой культуры, эпоха расцвета
культуры стран Европы в период от средних веков до нового времени
(XV-XVI вв.).
Стремление показать духовную и внешнюю, телесную, красоту человека
вызывает в эту эпоху горячий интерес к античности, к ее культуре и
искусству. Художники стремятся возродить в своем творчестве традиции
античных мастеров. Отсюда пошло и название- Возрождение, или Ренессанс.
Художники Возрождения занимались анатомией, археологией, математикой,
физикой. Они дали научное обоснование законов перспективы, светотени,
теоретически изложили способы реалистического изображения действительности,
восприятия и передачи цвета. Увлечение наукой, внимательное изучение
явлений, фактов действительности дало замечательные результаты- художники
итальянского Возрождения создали жизнерадостное реалистическое искусство.
Гениальным живописцами Возрождения были Леонардо да Винчи, Рафаэль Санти,
Микеланджело Буонаротти, Тициан Вечеллио, Джорджоне, Паоло Веронезе, Якопо
Тинторетто.
В XVII-XVIII в. основными направлениями в искусстве были барокко,
классицизм, рококо. Но в эти же годы реализм, выражая интересы и
мировоззрение передовых сил общества, упорно пробивал себе дорогу через все
стили и направления. Высочайшего развития достиг он в эти столетия в
искусстве Веласкеса, Рембрандта, Рубенса, Хогарта, Шардена и других
знаменитых художников. Реализм характеризует и творчество итальянского
скульптора Бернини- родоначальника барокко, и французского художника
Пуссена- основоположника классицизма в живописи.
В XVII в. в Западной Европе высокого расцвета достигает
фламандская культура. Особого развития достигла живопись. Ее яркими
представителями были Рубенс и его ученики и сподвижники- Ван Дейк, Франс
Снайдерс, Иорданс.
Многие фламандские художники стремились запечатлеть жизнь во всех ее
формах, полную движения, борьбы, различных чувственных проявлений личности
человека. Даже в полотнах, выполняемых фламандскими живописцами по заказу
католической церкви и знатных вельмож на темы религиозных и мифологических
сюжетов, чувствуется дыхание жизни и земное начало.
В XVII в. блестящего расцвета достигло искусство Голландии.
Голландские художники этого столетия с любовью показали в своих картинах
людей своей маленькой страны, их жизнь, вкусы, интересы, переживания. Яркие
представители - Рембрандт, Ван Эйк, Франс Хальс, Ян Вермер Дельфтский, Якоб
ван Рейсдал, Питер де Хох, Ян Стен, Герард Терборх и многие другие.
Конец XVI и XVII столетие по праву называют золотым веком испанской
культуры. Испанские художники начинают интересоваться античным искусством.
Живописцы изучают и используют в своем искусстве перспективу, светотень,
анатомию, начинают передавать объем в изображениях и писать масляными
красками на холсте. Яркие представители - Эль Греко, Франсиско Сурбаран,
Веласкес, Франсиско Гойя.
Во Франции царствование Людовика XIV (1643-1715) явилось торжеством
неограниченной королевской власти. Для удобства управления художественным
творчеством в это время создаются различные академии наук, живописи,
скульптуры, музыки, танца и т.п. В это время начинает складываться
французское просвещение. Искусство начинает выражать интересы более широких
социальных групп общества. Это обусловливает переакцентировку жанров в
живописи: на смену историческому жанру приходят портрет, пейзаж, бытовой
жанр.
Изящным и поэтичным представляется творчество Антуана Ватто (1684-
1721). Произведения блестящего мастера живописи соединяют в себе черты
придворного стиля, реалистического отображения действительности и
поэтически-философского осмысления жизни.
Со смертью Людовика XIV наступает закат французского абсолютизма и
его культуры. Показная роскошь, излишества и изнеженность придворной жизни
находят выражение в искусстве стиля рококо. Ярким представителем этого
стиля был Франсуа Буше (1703-1770), для которого характерны внешне
красивые, но бездумные, игривые, празднично-декоративные живописные
композиции.
На фоне произведений Буше резко выделяется правдивое, реалистическое
искусство замечательного французского художника Жана Батиста Симеона
Шардена (1699-1779).
Одним из самых знаменитых художников Франции конца XVIII -начала XIX
в. был живописец Жак Луи Давид (1748-1825). Проникнувшись глубокой любовью
к античному искусству, художник становиться приверженцем чёткого,
реалистического рисунка, строгой, ярко выраженной композиции, гражданского
пафоса искусства, революционной борьбой народных масс.
Художником, чьё творчество воплотило в себя характерные черты
академического классицизма, был один из лучших учеников Давида – Жан Огюст
Доминик Энгр (1780-1867).
Ярким представителем французского романтизма в живописи XIX в. был
Теодор Жерико (1791-1824). Это направление в европейском искусстве
характеризуется образами сильных, ищущих героев, не удовлетворённых
действительностью. Особенностью художников-романтиков является их
повышенный интерес к колориту. Манера их письма значительно свободнее,
смелее, непринуждённее, чем у представителей академизма.
Выдающимся французским художником XIX в. является Эжен Делакруа (1798-
1863). Делакруа писал картины на острые современные темы и на сюжеты,
взятые из литературы, истории, мифологии; знаменитый мастер оставил ряд
портретов, натюрмортов, пейзажей.
В 30 – 60-е годы ХIХ в. во Франции формируется пейзажная
реалистическая школа. Теодор Руссо (1812-1867), Жюль Дюпре (1811-1889) и
другие обратились к правдивому изображению родной природы. В основном
живописцы писали в окрестностях небольшой деревушки Барбизон, неподалёку от
Парижа, и потому получили название барбизонцы.
Несколько особняком среди французских пейзажистов этого времени стоял
Камиль Коро (1796-1875). С огромной любовью и тонким поэтическим чувством
Коро пишет тихие часы восхода и заката солнца, туман, обволакивающий густым
молоком всё вокруг, серые, быстро несущиеся облака на небе, порыв ветра.
Ведущим представителем французского реализма является Гюстав Курбе
(1819-1877). Герои произведений Курбе - простые люди из народа, труженики,
друзья художника. Выбор персонажей, содержание сюжетов, художественная
трактовка героев произведений, далеких от идеализации, парадности,
романтического отрыва от реальности, вызвали резко негативную реакцию,
открыто враждебное отношение правящей верхушки общества. Во Франции были
запрещены его выставки.
В последней трети XIX в. французское искусство развивалось в других
условиях, чем в предыдущий период. В 1871 г. начинается полоса реакции,
которая лишь в конце столетия сменилась новым подъемом рабочего и
демократического движения. В период реакции искусство постепенно утратило
свою критическую революционную направленность, пропал интерес к показу
труда и жизни простых людей. Это характерно, в частности, для последнего
крупного направления в западноевропейском искусстве XIX в.- импрессионизма.
Художники- импрессионисты стремились передавать первые зрительные
впечатления от действительности. Они внесли большой вклад в развитие
художественных средств реалистической живописи. Пытаясь передать все нюансы
воздуха, освещенности, погоды, импрессионисты изучали характер освещения в
разное время суток, влияния света на цвет. Они впервые начинают писать на
открытом воздухе (пленэр). В искусстве импрессионистов преобладает пейзаж,
который наполняется солнечным светом и трепетом воздуха. Яркими,
праздничными красками стали изображаться портреты, сцены городской и
сельской жизни.
Яркими представителями импрессионизма были Эдгар Дега (1834-1917) и
Огюст Ренуар (1841-1919). Уверенные линии, четкая композиция, выразительный
холодный колорит, динамичность - характерные черты произведений Дега.
Любование безграничной и разнообразной красотой действительности было
характерно для Ренуара. Его картины полны света, воздуха, тепла, тонких
переливов цветовых гамм. В последние годы жизни под впечатлением поездки в
Италию, а также Дрезден Ренуар начинал переосмысливать свои творческие
концепции. Он внимательно изучает мастеров прошлого. Ренуара особо
привлекает четкая форма и рисунок, он опирается на традиции итальянцев и
французского художника Энгра – выдающегося мастера рисунка, пластики и
формы.
Наиболее верными традиции импрессионизма были пейзажисты Клод Моне
(1840-1926), Камиль Жакоб Писсарро (1831-1903) и Альфред Сислей (1839-
1899). Из них самая крупная фигура - Клод Моне. Художника интересует
мгновенность, впечатление и, главное, атмосфера и свет, разлитый в ней.
Интерес к мгновенности и вместе с тем желание изучить один и тот же объект
в разных условиях освещения обуславливают обращение Моне к серийному методу
работы.
Критически подошли к принципам импрессионизма Винцент ван Гог (1853-
1890), Поль Гоген (1848-1903), Поль Сезанн (1839-1906). Эти и ряд других
мастеров вошли в историю искусства под именем постимпрессионистов
(латинское post означает после). Указанные художники не были
единомышленниками, каждый из них шел своим творческим путем, но их
объединило то, что каждый из них испытал на себе влияние импрессионизма,
они стремились открыть новые пути в искусстве, более монументальные и
экспрессивные.
Ван Гог и Сезанн писали портреты, жанровые сцены, натюрморты,
пейзажи. Если Ван Гог писал извилистыми мазками, захватывающими сгустками,
делая поверхность картины неровной, то Поль Гоген писал уверенно и
спокойно, накладывая краску на холст ровными, крупными пятнами. Сочна и
ярка пастозная живопись Сезанна.
В XVIII в. в Англии появляется ряд выдающихся художников, принесших
славу английскому искусству. Первым из них был Уильям Хогарт (1697-1764),
искусство которого отличалось острой сатирой. В течение своего творческого
пути Хогарт написал много портретов.
Жанр портрета всегда был в особом почете в Англии. И если в XV-XVI вв.
сюда приглашались многие портретисты, в том числе и знаменитые Ганс
Гольбейн Младший и Ван Дейк, то в XVIII в. английские портретисты стали
широко приглашаться в другие страны Европы. Успешному развитию искусство
портрета в Англии во многом обязано замечательным художникам Джошуа
Рейнольдсу (1723-1792) и Томасу Гейнсборо (1727-1788). Рейнольдс писал в
теплом золотистом колорите, его произведения отличаются крепким, уверенным
рисунком, выразительной композицией, плотной, красочной живописью.
Изысканным, поэтичным является искусство Гейнсборо. Для его полотен
характерны жемчужно- серые и серебристо- голубые тона. Художник стремился
передать, и ему это блестяще удалось, тонкие переживания человека, его
нежность, мечтательность, утонченность. Замечательна живописная техника
художника – легко положенные, создающие впечатление мерцания, мазки с
удивительной правдивостью передают вибрирующие движения воздуха, создают
атмосферу поэзии и гармонии.
Все формалистические течения в живописи, скульптуре и графике первых
десятилетий XX в. принято объединять понятием модернизм (от французского
слова moderne- современный, новейший). На самом деле все новейшее,
новаторство художников- модернистов начинается и заканчивается отказом от
реалистических форм, от жизненной правды в искусстве. Искусство модернистов
- это передача чисто субъективных ощущений, это уход от острых социальных
проблем современности.
Началом модернистского искусства, первым формалистическим течением в
Западной Европе был кубизм, возникший в 1907 г. Художники – кубисты все
богатство и разнообразие форм и явлений предметного мира сводили к
нагромождению простых геометрических объемов. В итоге – отказ от образа
человека, от передачи чувств, мыслей, идей, социального содержания жизни
людей.
После первой мировой войны одним из главных направлений в буржуазном
искусстве становится абстракционизм. Художники – абстракционисты не ставят
своей целью передать реальный мир, предметную действительность как они
есть, поэтому абстрактное искусство называют беспредметным,
неизобразительным. Их произведения – это нагромождение на холсте и
графических листах геометрических плоскостей, красочных пятен, точек,
линий.
Вместе с тем и в модернистском искусстве ХХ в. были художники,
которые пытались искать связь с жизнью, чувствовали необходимость решать
большие социальные проблемы. Таким художником был французский живописец
Альберт Марке (1875-1947). Искусство Марке привлекает ясностью и
поэтичностью взгляда на окружающий мир.
Одним из самых ярких художников ХХ в. был Анри Матисс (1869-1954).
Художник создавал красочные, жизнерадостные полотна. Как правило, это
монументальные, декоративные произведения с четко выраженными цветовыми
пятнами, по - плакатному лаконичные. Цветовые пятна – чистые, открытые,
контрастные – удивительно тонко гармонируют друг с другом, выражая радость,
восхищение художника красотой окружающей природы, яркими, дарящими жизнь
солнечными лучами.
Многоплановость, контрастность присущи знаменитому художнику Пабло
Пикассо (1881-1973). Пикассо постоянно искал новые средства художественной
выразительности, наиболее адекватно отражающие противоречия буржуазного
общества. Особое внимание Пикассо уделял социально- философским и
эстетическим проблемам современности.
XVIII век в России – это время взлета общественного самосознания
русского народа, общественной и философской мысли, время расцвета
градостроительства и искусства. Особенно бурно начало развиваться искусство
в начале столетия, в Петровскую эпоху, когда культура стала утверждаться
как светское, реалистическое искусство.
Характерной особенностью Петровской эпохи является пробуждение
особого интереса к личности человека, веры в его силу и огромные
возможности. Это определило бурный расцвет портретной и исторической
живописи. Живопись второй половины XVIII века связана с именами таких
известных портретистов, как Ф.С.Рокотов, создавший множество одухотворенных
образов современников. Д.Г. Левицкий, автор прекрасных парадных и камерных
портретов, передающих цельность натуры моделей (портреты воспитанниц
Смольного института, 1773-1776), В.Л. Боровиковский, чьи удивительно
лиричные женские портреты до сих пор восхищают зрителей.
Как и в европейском искусстве, главным героем в русской портретной живописи
первой половины XIX века становится романтический герой, необыкновенная
личность с многогранным характером.
Ярким художником- романтиком был портретист О.А. Кипренский (1782-
1836).Герои Кипренского- люди с благородной душой, искренними чувствами.
Расцвету русского искусства XVIII в. способствовало создание в 1757
г. Академии художеств в Петербурге.
1860-1870-е годы - время становления реализма в русской живописи,
наиболее ярко проявившегося в творчестве художников передвижников.
Товарищество передвижных художественных выставок (ТПХВ) было учреждено в
1870 году. Первая выставка открылась в 1871 году. К началу 1870-х годов
демократическое искусство прочно завоевало общественную трибуну. Оно имеет
своих теоретиков и критиков в лице И.Н. Крамского и В.В. Стасова,
поддерживаются материально П.М. Третьяковым, который в это время, в
основном, приобретает произведения новой реалистической школы.
Представления о задачах искусства будущих передвижников формировалось
под влиянием эстетики Н.Г. Чернышевского, провозгласившего предметом
искусства общеинтересное в жизни, которое понималось художниками новой
школы как требование остросовременных и злободневных тем. Расцвет
деятельности ТПХВ – 1870-е – начало 1890-х гг. Выдвинутая передвижниками
программа народности искусства выражалась художественным освоением
различных сторон народной жизни – в изображении типических событий этой
жизни, часто с критической тенденцией (Земство обедает Г.Г. Мясоедова,
1872; Встреча иконы К.А. Савицкого 1878).
Однако свойственное искусству 1860-х годов критический пафос,
сосредоточенность на проявлениях социального зла уступает место в картинах
передвижников более широкому освещению народной жизни, направленному и на
положительные её стороны. Передвижники показывают не только бедность, но и
красоту народного быта (Приход колдуна на крестьянскую свадьбу В.М.
Максимова 1875), не только страдание, но и стойкость перед лицом жизненных
невзгод, мужество и силу характера (Бурлаки на Волге И.Е. Репина 1870-
1873), богатство и величие родной природы (произведения А.К. Соврасова,
А.И. Куинджи, И.И. Левитана, И.И. Шишкина), героические страницы
национальной истории (творчество В.И. Сурикова) и революционного
освободительного движения (Арест пропагандиста, Отказ от исповеди И.Е.
Репина). Стремление шире охватить различные стороны общественной жизни,
выявить сложное переплетение положительных и негативных явлений
действительности влечёт передвижников к обогащению жанрового репертуара
живописи: наряду с бытовой картиной, господствовавшей предшествующее
десятилетие, в1870-е года значительно возрастает роль портрета и пейзажа, а
позже – исторической живописи. Следствием этого процесса явилось
взаимодействие жанров – в бытовой картине усиливается роль пейзажа,
развитие портрета обогащает бытовую живопись глубиной обрисовки характеров,
на стыке портрета и бытовой картины возникает такое оригинальное явление,
как социально-бытовой портрет. Развивая отдельные жанры, передвижники в
качестве идеала, к которому должно стремиться искусство, мыслили единство,
синтез всех жанровых слагаемых в форме хоровой картины, где главным
действующим лицом выступала бы масса народа. Такой синтез в полной мере был
осуществлён уже в 1880-х гг. И.Е. Репиным и В.И. Суриковым, творчество
которых представляет собой вершины передвижнического реализма.
Закономерно, что именно в произведениях младших передвижников нашли
своё отражение события и настроения, связанные с наступлением новой эпохи
классовых битв в преддверии революции 1905 г. (картина Расстрел С.В.
Иванова 1905 г.). Открытие темы, связанное с трудом из жизни рабочего
класса, русская живопись обязана Н.А. Касаткину (Углекопы. Смена 1895
г.).
Развитие традиций передвижничества происходит уже в советское время –
в деятельности художников Ассоциации художников революционной России
(АХРР). Последняя 48-я выставка ТПХВ состоялась в 1923 году.
Революционная борьба народа, человек труда, строительство новой жизни
оказались в центре внимания художников новой России, стали содержанием
нового советского искусства.
Социалистический реализм – творческий метод советского искусства,
подразумевающий правдивое, исторически-конкретное отображение
действительности в её революционном развитии в целях идейно-эстетического
воспитания трудящихся в духе социализма и коммунизма. Это реализм,
основывающийся на идеях марксизма-ленинизма, служащий развитию
социалистического общества. Его главные эстетические принципы –
правдивость, народность, партийность искусства.
Метод социалистического реализма не сводится к каким-либо формальным
признакам, он предполагает единые идейно-эстетические основы искусства, но
при этом – многообразие индивидуальностей, жанров, стилей, художественных
форм национальных особенностей.
Социалистический реализм воплощён в лучших произведениях советского
многонационального искусства, ныне ставших его классикой в живописи А.А.
Дейнеки и Б.В. Йогансона, А.А. Пластова и Ю.И. Пименова, П.Д. Корина и С.А
Чуйкова, Г.Н. Коржева, Е.Е. Моисеенко, А.А. Мыльникова и многих других
мастеров.
Для искусства социалистического реализма характерен новый тип
положительного героя – созидателя, активного борца за совершенствование
общественной жизни.
1.2 История развития казахстанской живописи.
На протяжении жизни многих поколений Казахстан был благословен
необыкновенно талантливыми людьми. Однако культура и традиции Казахстана
были практически неизвестны за его пределами.
Если окинуть взором всю историю Казахстана станет ясно, почему
живопись, очень долго, являлась чуждой материей для жителей этой страны.
Народ на территории Казахстана, являясь кочевым народом, не мог себе
позволить станковое искусство. Оно зародилось лишь тогда, когда в силу
различных обстоятельств осёдлость стала актуальной. Появились первые
научные экспедиции на территории Казахстана. А сними и первые художники
станковисты.
Одним из первых в составе первого Хивинского похода побывал в
казахских степях В.И. Штернберг (1801-1845г.г). Впервые увиденные им
природа степи, богатство и художественная яркость убранства юрты и
национальной одежды, покорили и восхитили художника, оставившего свои
впечатления в отчете экспедиции. Для знаменитого путешественника П.П.
Семенова - Тяншанского, почетного члена Академии художеств России,
коллекционера, творческий труд был неотъемлемой частью всех его
многочисленных экспедиций. Он много рисовал с натуры, писал акварелью,
пробовал писать маслом. Известна его работа Укрепление Верное.
В конце XIX- начале XX века Казахстан в разное время посетили
знаменитые русские художники: В. Верещагин, П. Кузнецов, Н. Рерих, В.
Рождественский. Они создали замечательные полотна на казахстанскую
тематику, вошедшие в сокровищницу евразийских памятников художественной
культуры. Картина У дверей мечети В. Верещагина, Мираж в степи П.
Кузнецова.
Трудно переоценить значение и роль творчества этих и других
художников для становления и развития казахского изобразительного
искусства. Используемые ими художественно- пластические и технологические
приемы станкового искусства стали тем творческим инструментарием, который
впервые применялся для воплощения образов степной культуры.
Одним из родоначальников портретного жанра в Казахстане стал Николай
Хлудов, который приехал в Казахстан в конце 70-х годов 19 века, был
участником этнографических экспедиций, оставил большое количество рисунков
и полотен с изображением здешней природы, жанровых сцен и местных лиц. С
1921 г. руководил первой художественной студией в Алма-Ате.
Имя Абылхана Кастеева (1904-1973г.г.) дорого каждому гражданину
Казахстана. Его именем названы лучший художественный музей страны,
художественное училище в г. Шымкенте, школы и улицы казахстанских городов.
Дети, студенты, приезжающие зарубежные гости начинают знакомство с
культурой страны с мемориального зала художника в Государственном музее
искусств имени Кастеева. Где перед ними наглядно разворачивается
художественная летопись истории республики. Искусству Абылхана Кастеева
чужды школы, направления и какие-либо идеологии. Природа наделила его
талантом и духовной независимостью, дававшими силы всегда оставаться самим
собой. Самым мощным движителем его творчества была любовь к родине, людям и
искусству, для которого он был рождён и которому был предан всю жизнь.
Абылхан Кастеев плодотворно и напряжённо работал до самого ухода из
жизни. В 60-70-х годах – время расцвета казахского советского искусства -
он создал серию произведений, связанных с тематическими установками. Его
творчество всегда будет светлым и радостным источником искренности и
подлинной любви к родине.
Сабур Мамбеев является одним из ведущих живописцев Казахстана. Он
относится к числу тех художников, которые пишут портреты хорошо знакомых,
близких ему людей; портреты возникают как следствие личных симпатий,
привязанностей. Очень часто оригиналами его портретов являются молодые
красивые девушки. Художник любит писать на природе, большое значение
придает пленэрной живописи со светом, красочностью светового решения, и
жизнь природы становится неотъемлемой частью портрета, как бы эмоциональным
ключом поэтического содержания. Девушка у окна" - первый большой
композиционный портрет, созданный Мамбеевым в 1958 году.
В портрете "Художница М. Лизогуб" (1959) Мамбеев сумел показать
индивидуальную неповторимость и своеобразие портретируемой. Образ художницы
получился глубоко психологическим. Манера письма свободная, мазок длинный и
широкий. Способ лепки лица угловатым мазком создает подвижную светоцветовую
вибрацию, что, в свою очередь, необыкновенно оживляет портрет.
Портреты, написанные Мамбеевым в 1960-е годы, отличаются строгой
простотой и сдержанностью композиции, глубиной передачи внутреннего мира
человека - "Портрет в синем", "Портрет в розовом", "Портрет в черном",
"Портрет в белом".
Разнообразие цветового решения и живописная красота его портретов
подчеркивают красоту самих моделей. Светлый мир поэзии и возвышенных
образов передан художником богатейшим живописным языком. Композиционный,
колористический и пластический строй картин так красив, гармоничен и
эмоционален, что невольно привлекает и захватывает зрителя.
Произведения Павла Яковлевича Зальцмана отличают постоянный и глубокий
интерес к духовному миру человека и своеобразие художественного языка. Он
создал целую галерею современников, в которой - строго натурные,
реалистические, хотя несколько идеализированные образы - "Студенты" (1968),
"Пловчиха" (1978-1980), "Гитарист" (1980), "Актриса" (1977).
Печальная самоуглубленность образа в "Портрете Л.Н. Глебовой" (1939)
резко контрастирует с яркой, почти карнавальной костюмировкой.
Творчество Нагимбека Нурмухамедова является одной из интересных
страниц изобразительного искусства Казахстана. Его произведения
складываются в своеобразные циклы. Он пишет много портретов: офицеров
флота, старшин и матросов, ветеранов, писателей, танцовщиц и актрис -
"Портрет танцовщицы Леры" (1957), "Портрет писателя С. Бегалина" (1958).
Здесь художник стремиться передать глубину и своеобразие человеческой
психологии, особенности индивидуального характера личности. В "Портрете
Заулихи" (1958) художнику удалось создать очень поэтический образ молодой
девушки.
Он создает поэтические женские образы, которые входят в серию
"Бразилия": "Бразильская мадонна", "Бразильские бусы" и портрет киноактрисы
Марии дела Коста. Наиболее интересным портретом из этой серии является
портрет художника Эмимано ди Кавальканти.
Энергичность письма, его материальная весомость убедительно передают
сильный и своеобразный характер, создают жизнеутверждающий образ художника,
творца. Соединяя холодные и горячие тона, художник достигает неожиданной
выразительности, своеобразной пластичности образа, цветовой и
композиционной его остроты. Цветовые контрасты, их сочетания, острая
гармония слабых и сильных тонов создают богатый смысловой и эмоциональный
подтекст произведения, углубляют его психологические качества.
Сегодня трудно представить искусство Казахстана без имени Сергея
Калмыкова (1891-1967). Человек, чьё непроницаемое одиночество вызывало
недоумение и насмешки окружающих и некоторых коллег по цеху, шут с лицом
христианского великомученика в бархатном берете и цветном камзоле из
старых театральных декораций, каким его помнят улицы Актюбинска и Алматы,
оказался Великим Мастером, Гением, жившем в собственном созданном мире и
оставившем его после ухода из жизни людям, как знак торжества таланта и
духа над плотью и обыденностью...Его искусство трудно анализировать обычными
методами, оно не подлежит описанию и инвентаризации, его можно только
воспринимать особенными фибрами души, или отвернуться, как незнающий иного
языка, откладывает непонятную книгу. Калмыков не создал собственной
стройной теории своего творчества. Искусство было для него формой
существования, способом освобождения от вулкана одолевавших чувств,
мыслей, образов. В его огромном литературном наследии – сплаве поэзии и
философии нет прямых формулировок художественной позиции или теоретических
установок. Это параллельное и единое с пластическими образами вербальное
пространство, где отдельные строки – лишь стрелки, указывающие путь для
открывшего эту дверь.
Честь открытия Калмыкова принадлежит композитору Е. Брусиловскому. По
заданию наркома просвещения Казахстана Т. Жургенова он поехал в Актюбинск,
чтобы пригласить Алма-Ату гастролировавший там Верхнее-Волжский театр, в
котором работал Калмыков. Брусиловского поразили афиши, автор которых ...был
опасным соперником Тулуз-Лотрека, а также двусторонние мягкие портативные
декорации. Так, вместе с театром, в Алма-Ату приехал Калмыков.
Художник прожил здесь тридцать лет. Видимо, он любил этот город – в
его работах много алматинских тем. Но в узнаваемых городских пейзажах, в
пульсации многоцветной живописной массы, особой калмыковской нервности
силуэтов и абрисов, как некий иноязычный акцент живёт отблеск другого мира.
Калмыков не оставил учеников и последователей. Настоящий, серьёзный
интерес к его искусству начал просыпаться только в последнее десятилетие
ушедшего столетья.
С уверенностью можно сказать, что именно с обретением независимости
Республики Казахстан, сокровища казахстанского изобразительного искусства
стали достойной частью культурных достижений человечества.
В произведениях современного искусства Центральной Азии оживает и ищет
возможности адекватного воплощения вековой потенциал духовного опыта её
народов. Внося в технологическое сознание человека конца ХХ века живую
связь тюркской культуры с природой, её выверенные представления о балансе
мира и человека, динамики и статики бытия, о взаимосвязи духовного и
материального существования, художники создают в полотнах свою
“национальную картину”, ”национальную модель мира”.
Тяга к универсальным категориям и свободная планетарность мышления,
свойственная казаху-жителю беспредельных степных просторов, бережная
чуткость к звучанию реальной красоты и прозрение сквозь неё духовной истины
и сакрального смысла земного мира, присущее узбеку, суровая прямота и
верность древнему духу чести киргизского характера, святое сохранение
традиций семьи и социума, уважение к иерархическим ценностям общества
туркмена. Эти и многие другие, качества и нюансы духовной жизни народов
Центральной Азии входят, благодаря искусству, в современные процессы
мировой культурной интеграции. Входят, добавляя к бесконечному многообразию
точек зрения на человечество и его место в мире, свой ракурс, свой вариант
истории и свою версию будущего.
Возможно, духовный опыт этих народов, выраженный в формах
изобразительного искусства, особенно ценен. Не только потребностью
воссоздать и, если возможно, возродить утерянную гармонию человека и
природы. Но и выражением духовной зрелости этносов, обретенной сквозь
череду невосполнимых утрат. Ценен пластическим воплощением сложных путей
национального самосознания, пришедшего через горечь понимания трагедии
родной природы и драмы социальных экспериментов. Живопись не просто
ассимилировала и претворила в творческую практику непростой процесс
динамики национального сознания века, но смогла выразить его особенности с
собой, присущей искусству обостренной силой.
Периоду развития казахской живописи 80-90-х годов присущ интенсивный
характер восстановления “национального космоса”, стремительно нарастающий
поворот к культурной памяти. Содержание художественных исканий во многом
составляет кропотливый, вдумчивый, аналитичный и в то же время страстный
процесс самопознания. Этот процесс возник не только на спонтанном уровне
новых свобод и возможностей искусства, появившихся благодаря политике
перестройки. Усиление национальной идеи в искусстве произошло в результате
обретения государственной независимости, но стало возможным, скорее, в силу
достижения нацией нового этапа духовной зрелости. Адекватно воплотилось в
искусстве благодаря тому, что достигнутый уровень национального
самосознания удачно соединился с ситуацией и возможностями самой живописи,
имевшей за плечами профессиональные качества, наработанные в течение
нескольких десятилетий ускоренного развития.
Этнокультурная самоидентификация продолжает осуществляться посредством
интерпретации устойчивых концептов сознания. Освоение художниками комплекса
традиционных ценностей отмечено в эти годы рядом характерных особенностей,
одна из которых – максимальное углубление в древнейшие истоки, корни,
архаику, попытка найти начало начал национального миропонимания; а другая
связана с предельным расширением сфер претворения и трансформации в
искусстве традиционных понятий и представлений. Увлечение архетипами,
первоначалами и первофеноменами становиться объединяющим признаком живописи
Казахстана.
Специфику и механизм взаимосвязи живописи и традиционной духовности
определяет принципиальность отношения к наследию как к неизменному
внутреннему ядру культуры. Транслируя в творческую практику традиционные
мотивы, понятия, темы, сюжеты, художники подчёркивают концептуальность
своего подхода к реализации национальной идеи как жизненно важного условия
развития национальной духовности на новом этапе самоопределения ... продолжение
Вы можете абсолютно на бесплатной основе полностью просмотреть эту работу через наше приложение.
ВВЕДЕНИЕ ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... . ... ..стр.3
ГЛАВА I. ИСТОРИЯ РАЗВИТИЯ ЖИВОПИСИ ... ... ... ... ... ... ... стр.4
1. История развития мировой живописи. ... ... ... ... ... ... ... ... ... ...стр.4
2. История развития казахстанской живописи ... ... ... ... ... ... ... ... .стр.13
ГЛАВА II. МЕТОДИЧЕСКИЕ РАЗРАБОТКИ ПО ЖИВОПИСИ ДЛЯ 4-5 КУРСА
ХГФ ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ..
... ... ... ... ... ... ...стр.19
2.1 Специфика учебных и творческих задач по станковой живописи ... ..стр.20
2.2 Решение цвета, тона и колорита ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... стр.23
2.3 Техника и технология живописи ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... стр.24
ЗАКЛЮЧЕНИЕ ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... .стр.32
СПИСОК ИСПОЛЬЗУЕМОЙ ЛИТЕРАТУРЫ ... ... ... ... ... ... ... ...стр.34
ПРИЛОЖЕНИЯ ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... ... .стр.35
ВВЕДЕНИЕ
В своих трудах по проблемам педагогического творчества ученые
единогласны в том, что творческая профессиональная деятельность во многом
определяется уровнем научной подготовки, а так же духовным развитием. Форма
духовной культуры есть исторически сложившееся синтезированное содержание
опыта конкретного народа, которое будучи содержанием, усвоенным в прошлом,
оказывается способом практической и духовной деятельности. Сказанное
означает, что опыт прошлого является способом усвоения новой культуры. При
этом новый более богатый опыт народа преобразует старый опыт, сохраняя его
как свой момент.
Живопись, являясь самостоятельным высшим искусством,
одновременно и наука, обучающая мыслить формой и цветом, изучать технику и
технологию взаимодействия различных красок на практической работе,
изображать пластическую структуру предмета в трехмерном пространстве.
Программа по живописи, основана на использовании лучших традиций и
опыта мировой и Казахской реалистической школы, ориентирует студентов на
углубленное изучение натуры человека и окружающие его предметы.
Постепенно усложняющаяся последовательность в процессе обучения
позволяют сочетать изучение всего многообразия натуры с ее художественно-
образной трактовкой на плоскости.
Основной целью курса живописи является изучение свойств
взаимодействия разных цветов, цвето - колористическое и тоновое сочетание.
Поэтапное овладение мастерством и навыками работы кистью красками разных по
размеру и сложности основах. Воспитание в студентах художественного
видения, овладение знаниями и закономерностями живописи при изображении
окружающего нас мира. А также цель программы развить образно- ассоциативное
мышление и творческие способности у студентов необходимые в будущем при
создании больших произведений монументального искусства.
На начальных курсах учебным заданием является этюды головы человека,
мужской и женской. На старших курсах при переходе к фигурам, большее
значение приобретает необходимость предварительных поисков компоновки на
холсте. Перед каждым заданием делается небольшой этюд в котором надо решить
основные задачи композиции и колорита. Выполнение подготовительного картона
для живописи является необходимым для специализации Станковая живопись.
На четвертом курсе основным заданием является фигура человека одетая
и обнаженная. Углубляются общие живописные задачи цвета, тона фигуры.
Особое внимание уделяется умению писать детали всей постановки и особенно
фигуры, тем самым создание художественного образа человека. Важно научиться
писать окружающие предметы и пространство, выявление передних и задних
планов. Требуется образная выразительность, монументальность,
композиционная убедительность, цвето - колористическая верность. Смелый
живописный подход, неожиданное композиционное видение, выразительная
передача изображаемых образов - является приоритетным при оценке всех
заданий курса Живопись.
На пятом курсе, завершающем курс живописи студенты должны выполнить
несколько сложных постановок. Практическое изучение законов живописи
продолжается работа над групповыми постановками. Большое значение
приобретает передача пространства цветом и тоном, влияние света (прямое и
боковое освещение). Особое внимание уделяется связи двух и нескольких
фигур, цельному решению в пластике, цвета и тона. Очень важно узнаваемость,
живописная экспрессивность, композиционная убедительность при подходах
создаваемых образов.
Каждое задание должно начинаться с разъяснения цели и задачи
постановки, а также пути их преодоления. Практическая работа студентов над
заданием начинается с выполнения: композиционных эскизов в карандаше, для
нахождения наиболее грамотного решения поставленной задачи эскиза
постановки в цвете, подготовительного рисунка на бумаге (картон) и самого
этюда в заданном размере. Задание выполняется поэтапно в присутствии
руководителя курса.
ГЛАВА I. ИСТОРИЯ РАЗВИТИЯ ЖИВОПИСИ
1.1 История развития мировой живописи
Искусство старо, как мир - начало его теряется в глубокой древности.
Лишь только люди объединились в общества, создали религию, образовалось и
искусство, одним из первых проявлений которого была живопись.
Среди всех видов изобразительного искусства живопись пользуется у
зрителей наибольшей популярностью. Если произведения скульптуры
представляют собой объёмные тела, а графики – большей частью чёрно-белые
рисунки на листах бумаги, то живопись воплощает образы действительности в
их красочном богатстве и блеске с помощью красок, наносимых на какую либо
поверхность. Образы живописи очень наглядны и убедительны для
воспринимающего их зрителя. Ей доступно воспроизведение на плоскости объёма
предметов, их материальной плоти, глубины изображаемого пространства,
окружающей предметы световоздушной среды, впечатляющих эффектов освещения.
Живопись способна запечатлевать и раскрывать сложный мир человеческих
чувств, переживаний, характеров, передавать тончайшие оттенки настроения,
неуловимые мгновения в жизни человека и природы. Живописи может быть
свойствен самый высокий полёт художественной фантазии, она способна
воплощать непреходящие, вечные, общечеловеческие идеи. В классовом обществе
живопись в свете тех или иных идеологических концепций отражает и оценивает
духовное содержание эпохи, особенности ее социального развития.
Идейное содержание произведения живописи обычно конкретизируется в
сюжете. Иногда сюжет представляет собой развёрнутое повествование, часто
заимствованное из какого-либо мифологического, легендарного или
литературного источника. Живописец претворяет сюжет живописными
пластическими средствами (композиция, рисунок, цвет, ритм и т.д.) и дает
изображаемому событию свою оценку.
Принято считать, что живописец может запечатлеть лишь определённый
момент, как бы остановившееся мгновение. Однако живопись способна передать
и ощущение временного развития. Это достигается особой ритмической
организацией изображения, композиционными построениями, динамикой цвета,
распределением светлых и тёмных пятен на плоскости картины, характером
линий, способом наложения мазков и т.д. Полнота охватываемых живописью
явлений действительности проявляется также в обилии присущих ей жанров. По
своему практическому назначению живопись разделяется на монументальную,
станковую, театрально-декоративную, декоративную роспись предметов
домашнего обихода, иконопись, миниатюру, диораму, панораму. Каждая из
разновидностей живописи отличается характером исполнения и спецификой
художественных образов.
Живопись стала одной из самых первых видов искусства. Уже в период
позднего палеолита (около 30 - 40-го тысячелетия – 10 – 8-го тысячелетия до
н. э.) были найдены первые памятники искусства. Первобытный человек был
прежде всего охотником, его художественное творчество вдохновлялось
окружающей средой, природой, богатым животным миром и было посвящено
главным образом охоте.
Первобытные художники стали основоположниками всех видов
изобразительного искусства: графики (рисунки и силуэты), живописи
(изображения в цвете, выполненные минеральными красками), скульптуры
(фигуры, высеченные из камня или вылепленные из глины).
Ранние произведения первобытного искусства были схематичными и
статичными, как, например, рисунки звериных голов на известняковых плитах в
пещерах Ла-Феррасси (Франция).
В течение тысячелетий совершенствовалась техника изображения. Если
рисунки раннего ориньяка (33 - 19-е тысячелетие до н. э.) ещё крайне
примитивны, то относящиеся к позднему ориньяку, например те, что украшают
пещеры Ласко во Франции, гораздо динамичнее, живее.
В эпоху солютре (около 18 – 15-го тысячелетия до н. э.) часто
встречаются скульптурные изображения животных. Период высшего расцвета
палеолитического искусства – эпоха мадлен (ок. 15 – 8-го тысячелетия до н.
э.), когда появляются объёмные изображения мамонтов, северных оленей,
бизонов, кабанов в движении, в характерных позах.
Более поздние этапы развития первобытной культуры относятся к
мезолиту (среднекаменному веку), неолиту (новому каменному веку) и ко
времени распространения первых металлических орудий (медно-бронзовому
веку). В рисунках этого периода сохраняются черты схематизации и в то же
время налицо стремление зримо передать то или иное действие, событие. Все
чаще встречаются изображения людей, участвующих в охоте или военных
столкновениях. Нередко рисунки вырезаются на скалах или отдельных камнях -
их называют петроглифами или каменными письменами.
Искусство первобытной эпохи послужило основой для дальнейшего
развития мирового искусства.
На протяжении столетий живопись в своем развитии претерпевала
множество изменений.
Еще древние египтяне изображали на стенах храмов и дворцов
различные бытовые сценки, животных, растения. Это были первые шаги бытового
жанра.
В I веке до н. э. - IV веке н. э. на территории Египта на лица
умерших стали класть не маски, как раньше, а портреты, написанные на досках
или холстах красками, растертыми на воске (такая техника живописи
называется энкаустикой). Энкаустика – это живопись красками, где главным
связующим звеном был воск. Так в живописи возник портретный жанр. Эти
портреты стали называть фаюмскими - от Фаюмского оазиса в Египте, где они
впервые были найдены. Изображения выполняли ритуально- магические функции.
Вазопись- искусство украшать росписями поверхность ваз - была
развита в Греции с незапамятных времен. Именно тогда родился мифологический
жанр. Такие вазы назывались чернофигурными. С конца VI в. до н.э.
распространился новый прием росписи ваз: фигуры стали светлыми, так как фон
между ними покрывался черным лаком. На краснофигурных вазах образы
мифологии в значительной мере уступили место жанровым и бытовым сценам,
точно схваченным и запечатленным художником.
Созданные в Древней Греции замечательные произведения искусства
являлись высочайшим достижением человеческого гения и оказали огромное
влияние на искусство народов всех последующих веков.
Такое же грандиозное впечатление оставляет и искусство Древнего
Рима. Художники Древнего Рима любили создавать живописные портреты (в
технике восковых красок). Яркого расцвета в Риме достигла и фресковая
живопись. Многие стены жилых домов и общественных зданий в Риме внутри были
сплошь покрыты фресками. Нередко фрески представляют собой выразительные,
полные красоты и очарования орнаменты из стеблей, цветов, фигурок людей,
сюжетные картинки на темы греческих и римских мифов, на темы произведений
античных поэтов.
Широко применялись в искусстве Древнего Рима мозаика и прикладное
искусство. Римские мозаичисты, используя мелкие кубики, вырезанные из
разноцветных камней или отлитые из стеклянной массы, создавали не только
сложные орнаменты, но и целые картины, такие же яркие и красочные, как и
живописные.
Период развития культуры и искусства Западной Европы со времени
падения Западной Римской империи (V в.) до начала эпохи Возрождения (XV
в.) впервые был назван средним веком итальянскими писателями-
гуманистами. Они считали это время диким и варварским в противоположность
античности и культуре их времени.
Культура средневековья полностью находилась под властью церкви,
она формировалась под воздействием церковных христианских представлений о
мире. Располагая огромными богатствами, церковь в средние века была главным
заказчиком художественных произведений и направляла развитие культуры и
искусства в своих интересах. Так, уже в раннем средневековье стали
складываться строгие правила, каноны в изображении священных сюжетов,
которыми должны были руководствоваться все художники. Подчиняясь авторитету
церкви, многие поколения зодчих, скульпторов, художников, выражая в своих
произведениях думы, чаяния своего времени, вынуждены были показывать
окружающий мир в условных, отвлеченных образах. Но и сквозь символы и
условность пробилась живая, трепетная душа архитектора, скульптора,
живописца, стремившегося познать мир, правду и рассказать о своих чувствах,
своем понимании мира, жизни другим людям. Вот почему эти произведения
пережили свое время, обогатили мировую культуру и сейчас являются для нас
бесценными.
Возрождение - новый этап в истории мировой культуры, эпоха расцвета
культуры стран Европы в период от средних веков до нового времени
(XV-XVI вв.).
Стремление показать духовную и внешнюю, телесную, красоту человека
вызывает в эту эпоху горячий интерес к античности, к ее культуре и
искусству. Художники стремятся возродить в своем творчестве традиции
античных мастеров. Отсюда пошло и название- Возрождение, или Ренессанс.
Художники Возрождения занимались анатомией, археологией, математикой,
физикой. Они дали научное обоснование законов перспективы, светотени,
теоретически изложили способы реалистического изображения действительности,
восприятия и передачи цвета. Увлечение наукой, внимательное изучение
явлений, фактов действительности дало замечательные результаты- художники
итальянского Возрождения создали жизнерадостное реалистическое искусство.
Гениальным живописцами Возрождения были Леонардо да Винчи, Рафаэль Санти,
Микеланджело Буонаротти, Тициан Вечеллио, Джорджоне, Паоло Веронезе, Якопо
Тинторетто.
В XVII-XVIII в. основными направлениями в искусстве были барокко,
классицизм, рококо. Но в эти же годы реализм, выражая интересы и
мировоззрение передовых сил общества, упорно пробивал себе дорогу через все
стили и направления. Высочайшего развития достиг он в эти столетия в
искусстве Веласкеса, Рембрандта, Рубенса, Хогарта, Шардена и других
знаменитых художников. Реализм характеризует и творчество итальянского
скульптора Бернини- родоначальника барокко, и французского художника
Пуссена- основоположника классицизма в живописи.
В XVII в. в Западной Европе высокого расцвета достигает
фламандская культура. Особого развития достигла живопись. Ее яркими
представителями были Рубенс и его ученики и сподвижники- Ван Дейк, Франс
Снайдерс, Иорданс.
Многие фламандские художники стремились запечатлеть жизнь во всех ее
формах, полную движения, борьбы, различных чувственных проявлений личности
человека. Даже в полотнах, выполняемых фламандскими живописцами по заказу
католической церкви и знатных вельмож на темы религиозных и мифологических
сюжетов, чувствуется дыхание жизни и земное начало.
В XVII в. блестящего расцвета достигло искусство Голландии.
Голландские художники этого столетия с любовью показали в своих картинах
людей своей маленькой страны, их жизнь, вкусы, интересы, переживания. Яркие
представители - Рембрандт, Ван Эйк, Франс Хальс, Ян Вермер Дельфтский, Якоб
ван Рейсдал, Питер де Хох, Ян Стен, Герард Терборх и многие другие.
Конец XVI и XVII столетие по праву называют золотым веком испанской
культуры. Испанские художники начинают интересоваться античным искусством.
Живописцы изучают и используют в своем искусстве перспективу, светотень,
анатомию, начинают передавать объем в изображениях и писать масляными
красками на холсте. Яркие представители - Эль Греко, Франсиско Сурбаран,
Веласкес, Франсиско Гойя.
Во Франции царствование Людовика XIV (1643-1715) явилось торжеством
неограниченной королевской власти. Для удобства управления художественным
творчеством в это время создаются различные академии наук, живописи,
скульптуры, музыки, танца и т.п. В это время начинает складываться
французское просвещение. Искусство начинает выражать интересы более широких
социальных групп общества. Это обусловливает переакцентировку жанров в
живописи: на смену историческому жанру приходят портрет, пейзаж, бытовой
жанр.
Изящным и поэтичным представляется творчество Антуана Ватто (1684-
1721). Произведения блестящего мастера живописи соединяют в себе черты
придворного стиля, реалистического отображения действительности и
поэтически-философского осмысления жизни.
Со смертью Людовика XIV наступает закат французского абсолютизма и
его культуры. Показная роскошь, излишества и изнеженность придворной жизни
находят выражение в искусстве стиля рококо. Ярким представителем этого
стиля был Франсуа Буше (1703-1770), для которого характерны внешне
красивые, но бездумные, игривые, празднично-декоративные живописные
композиции.
На фоне произведений Буше резко выделяется правдивое, реалистическое
искусство замечательного французского художника Жана Батиста Симеона
Шардена (1699-1779).
Одним из самых знаменитых художников Франции конца XVIII -начала XIX
в. был живописец Жак Луи Давид (1748-1825). Проникнувшись глубокой любовью
к античному искусству, художник становиться приверженцем чёткого,
реалистического рисунка, строгой, ярко выраженной композиции, гражданского
пафоса искусства, революционной борьбой народных масс.
Художником, чьё творчество воплотило в себя характерные черты
академического классицизма, был один из лучших учеников Давида – Жан Огюст
Доминик Энгр (1780-1867).
Ярким представителем французского романтизма в живописи XIX в. был
Теодор Жерико (1791-1824). Это направление в европейском искусстве
характеризуется образами сильных, ищущих героев, не удовлетворённых
действительностью. Особенностью художников-романтиков является их
повышенный интерес к колориту. Манера их письма значительно свободнее,
смелее, непринуждённее, чем у представителей академизма.
Выдающимся французским художником XIX в. является Эжен Делакруа (1798-
1863). Делакруа писал картины на острые современные темы и на сюжеты,
взятые из литературы, истории, мифологии; знаменитый мастер оставил ряд
портретов, натюрмортов, пейзажей.
В 30 – 60-е годы ХIХ в. во Франции формируется пейзажная
реалистическая школа. Теодор Руссо (1812-1867), Жюль Дюпре (1811-1889) и
другие обратились к правдивому изображению родной природы. В основном
живописцы писали в окрестностях небольшой деревушки Барбизон, неподалёку от
Парижа, и потому получили название барбизонцы.
Несколько особняком среди французских пейзажистов этого времени стоял
Камиль Коро (1796-1875). С огромной любовью и тонким поэтическим чувством
Коро пишет тихие часы восхода и заката солнца, туман, обволакивающий густым
молоком всё вокруг, серые, быстро несущиеся облака на небе, порыв ветра.
Ведущим представителем французского реализма является Гюстав Курбе
(1819-1877). Герои произведений Курбе - простые люди из народа, труженики,
друзья художника. Выбор персонажей, содержание сюжетов, художественная
трактовка героев произведений, далеких от идеализации, парадности,
романтического отрыва от реальности, вызвали резко негативную реакцию,
открыто враждебное отношение правящей верхушки общества. Во Франции были
запрещены его выставки.
В последней трети XIX в. французское искусство развивалось в других
условиях, чем в предыдущий период. В 1871 г. начинается полоса реакции,
которая лишь в конце столетия сменилась новым подъемом рабочего и
демократического движения. В период реакции искусство постепенно утратило
свою критическую революционную направленность, пропал интерес к показу
труда и жизни простых людей. Это характерно, в частности, для последнего
крупного направления в западноевропейском искусстве XIX в.- импрессионизма.
Художники- импрессионисты стремились передавать первые зрительные
впечатления от действительности. Они внесли большой вклад в развитие
художественных средств реалистической живописи. Пытаясь передать все нюансы
воздуха, освещенности, погоды, импрессионисты изучали характер освещения в
разное время суток, влияния света на цвет. Они впервые начинают писать на
открытом воздухе (пленэр). В искусстве импрессионистов преобладает пейзаж,
который наполняется солнечным светом и трепетом воздуха. Яркими,
праздничными красками стали изображаться портреты, сцены городской и
сельской жизни.
Яркими представителями импрессионизма были Эдгар Дега (1834-1917) и
Огюст Ренуар (1841-1919). Уверенные линии, четкая композиция, выразительный
холодный колорит, динамичность - характерные черты произведений Дега.
Любование безграничной и разнообразной красотой действительности было
характерно для Ренуара. Его картины полны света, воздуха, тепла, тонких
переливов цветовых гамм. В последние годы жизни под впечатлением поездки в
Италию, а также Дрезден Ренуар начинал переосмысливать свои творческие
концепции. Он внимательно изучает мастеров прошлого. Ренуара особо
привлекает четкая форма и рисунок, он опирается на традиции итальянцев и
французского художника Энгра – выдающегося мастера рисунка, пластики и
формы.
Наиболее верными традиции импрессионизма были пейзажисты Клод Моне
(1840-1926), Камиль Жакоб Писсарро (1831-1903) и Альфред Сислей (1839-
1899). Из них самая крупная фигура - Клод Моне. Художника интересует
мгновенность, впечатление и, главное, атмосфера и свет, разлитый в ней.
Интерес к мгновенности и вместе с тем желание изучить один и тот же объект
в разных условиях освещения обуславливают обращение Моне к серийному методу
работы.
Критически подошли к принципам импрессионизма Винцент ван Гог (1853-
1890), Поль Гоген (1848-1903), Поль Сезанн (1839-1906). Эти и ряд других
мастеров вошли в историю искусства под именем постимпрессионистов
(латинское post означает после). Указанные художники не были
единомышленниками, каждый из них шел своим творческим путем, но их
объединило то, что каждый из них испытал на себе влияние импрессионизма,
они стремились открыть новые пути в искусстве, более монументальные и
экспрессивные.
Ван Гог и Сезанн писали портреты, жанровые сцены, натюрморты,
пейзажи. Если Ван Гог писал извилистыми мазками, захватывающими сгустками,
делая поверхность картины неровной, то Поль Гоген писал уверенно и
спокойно, накладывая краску на холст ровными, крупными пятнами. Сочна и
ярка пастозная живопись Сезанна.
В XVIII в. в Англии появляется ряд выдающихся художников, принесших
славу английскому искусству. Первым из них был Уильям Хогарт (1697-1764),
искусство которого отличалось острой сатирой. В течение своего творческого
пути Хогарт написал много портретов.
Жанр портрета всегда был в особом почете в Англии. И если в XV-XVI вв.
сюда приглашались многие портретисты, в том числе и знаменитые Ганс
Гольбейн Младший и Ван Дейк, то в XVIII в. английские портретисты стали
широко приглашаться в другие страны Европы. Успешному развитию искусство
портрета в Англии во многом обязано замечательным художникам Джошуа
Рейнольдсу (1723-1792) и Томасу Гейнсборо (1727-1788). Рейнольдс писал в
теплом золотистом колорите, его произведения отличаются крепким, уверенным
рисунком, выразительной композицией, плотной, красочной живописью.
Изысканным, поэтичным является искусство Гейнсборо. Для его полотен
характерны жемчужно- серые и серебристо- голубые тона. Художник стремился
передать, и ему это блестяще удалось, тонкие переживания человека, его
нежность, мечтательность, утонченность. Замечательна живописная техника
художника – легко положенные, создающие впечатление мерцания, мазки с
удивительной правдивостью передают вибрирующие движения воздуха, создают
атмосферу поэзии и гармонии.
Все формалистические течения в живописи, скульптуре и графике первых
десятилетий XX в. принято объединять понятием модернизм (от французского
слова moderne- современный, новейший). На самом деле все новейшее,
новаторство художников- модернистов начинается и заканчивается отказом от
реалистических форм, от жизненной правды в искусстве. Искусство модернистов
- это передача чисто субъективных ощущений, это уход от острых социальных
проблем современности.
Началом модернистского искусства, первым формалистическим течением в
Западной Европе был кубизм, возникший в 1907 г. Художники – кубисты все
богатство и разнообразие форм и явлений предметного мира сводили к
нагромождению простых геометрических объемов. В итоге – отказ от образа
человека, от передачи чувств, мыслей, идей, социального содержания жизни
людей.
После первой мировой войны одним из главных направлений в буржуазном
искусстве становится абстракционизм. Художники – абстракционисты не ставят
своей целью передать реальный мир, предметную действительность как они
есть, поэтому абстрактное искусство называют беспредметным,
неизобразительным. Их произведения – это нагромождение на холсте и
графических листах геометрических плоскостей, красочных пятен, точек,
линий.
Вместе с тем и в модернистском искусстве ХХ в. были художники,
которые пытались искать связь с жизнью, чувствовали необходимость решать
большие социальные проблемы. Таким художником был французский живописец
Альберт Марке (1875-1947). Искусство Марке привлекает ясностью и
поэтичностью взгляда на окружающий мир.
Одним из самых ярких художников ХХ в. был Анри Матисс (1869-1954).
Художник создавал красочные, жизнерадостные полотна. Как правило, это
монументальные, декоративные произведения с четко выраженными цветовыми
пятнами, по - плакатному лаконичные. Цветовые пятна – чистые, открытые,
контрастные – удивительно тонко гармонируют друг с другом, выражая радость,
восхищение художника красотой окружающей природы, яркими, дарящими жизнь
солнечными лучами.
Многоплановость, контрастность присущи знаменитому художнику Пабло
Пикассо (1881-1973). Пикассо постоянно искал новые средства художественной
выразительности, наиболее адекватно отражающие противоречия буржуазного
общества. Особое внимание Пикассо уделял социально- философским и
эстетическим проблемам современности.
XVIII век в России – это время взлета общественного самосознания
русского народа, общественной и философской мысли, время расцвета
градостроительства и искусства. Особенно бурно начало развиваться искусство
в начале столетия, в Петровскую эпоху, когда культура стала утверждаться
как светское, реалистическое искусство.
Характерной особенностью Петровской эпохи является пробуждение
особого интереса к личности человека, веры в его силу и огромные
возможности. Это определило бурный расцвет портретной и исторической
живописи. Живопись второй половины XVIII века связана с именами таких
известных портретистов, как Ф.С.Рокотов, создавший множество одухотворенных
образов современников. Д.Г. Левицкий, автор прекрасных парадных и камерных
портретов, передающих цельность натуры моделей (портреты воспитанниц
Смольного института, 1773-1776), В.Л. Боровиковский, чьи удивительно
лиричные женские портреты до сих пор восхищают зрителей.
Как и в европейском искусстве, главным героем в русской портретной живописи
первой половины XIX века становится романтический герой, необыкновенная
личность с многогранным характером.
Ярким художником- романтиком был портретист О.А. Кипренский (1782-
1836).Герои Кипренского- люди с благородной душой, искренними чувствами.
Расцвету русского искусства XVIII в. способствовало создание в 1757
г. Академии художеств в Петербурге.
1860-1870-е годы - время становления реализма в русской живописи,
наиболее ярко проявившегося в творчестве художников передвижников.
Товарищество передвижных художественных выставок (ТПХВ) было учреждено в
1870 году. Первая выставка открылась в 1871 году. К началу 1870-х годов
демократическое искусство прочно завоевало общественную трибуну. Оно имеет
своих теоретиков и критиков в лице И.Н. Крамского и В.В. Стасова,
поддерживаются материально П.М. Третьяковым, который в это время, в
основном, приобретает произведения новой реалистической школы.
Представления о задачах искусства будущих передвижников формировалось
под влиянием эстетики Н.Г. Чернышевского, провозгласившего предметом
искусства общеинтересное в жизни, которое понималось художниками новой
школы как требование остросовременных и злободневных тем. Расцвет
деятельности ТПХВ – 1870-е – начало 1890-х гг. Выдвинутая передвижниками
программа народности искусства выражалась художественным освоением
различных сторон народной жизни – в изображении типических событий этой
жизни, часто с критической тенденцией (Земство обедает Г.Г. Мясоедова,
1872; Встреча иконы К.А. Савицкого 1878).
Однако свойственное искусству 1860-х годов критический пафос,
сосредоточенность на проявлениях социального зла уступает место в картинах
передвижников более широкому освещению народной жизни, направленному и на
положительные её стороны. Передвижники показывают не только бедность, но и
красоту народного быта (Приход колдуна на крестьянскую свадьбу В.М.
Максимова 1875), не только страдание, но и стойкость перед лицом жизненных
невзгод, мужество и силу характера (Бурлаки на Волге И.Е. Репина 1870-
1873), богатство и величие родной природы (произведения А.К. Соврасова,
А.И. Куинджи, И.И. Левитана, И.И. Шишкина), героические страницы
национальной истории (творчество В.И. Сурикова) и революционного
освободительного движения (Арест пропагандиста, Отказ от исповеди И.Е.
Репина). Стремление шире охватить различные стороны общественной жизни,
выявить сложное переплетение положительных и негативных явлений
действительности влечёт передвижников к обогащению жанрового репертуара
живописи: наряду с бытовой картиной, господствовавшей предшествующее
десятилетие, в1870-е года значительно возрастает роль портрета и пейзажа, а
позже – исторической живописи. Следствием этого процесса явилось
взаимодействие жанров – в бытовой картине усиливается роль пейзажа,
развитие портрета обогащает бытовую живопись глубиной обрисовки характеров,
на стыке портрета и бытовой картины возникает такое оригинальное явление,
как социально-бытовой портрет. Развивая отдельные жанры, передвижники в
качестве идеала, к которому должно стремиться искусство, мыслили единство,
синтез всех жанровых слагаемых в форме хоровой картины, где главным
действующим лицом выступала бы масса народа. Такой синтез в полной мере был
осуществлён уже в 1880-х гг. И.Е. Репиным и В.И. Суриковым, творчество
которых представляет собой вершины передвижнического реализма.
Закономерно, что именно в произведениях младших передвижников нашли
своё отражение события и настроения, связанные с наступлением новой эпохи
классовых битв в преддверии революции 1905 г. (картина Расстрел С.В.
Иванова 1905 г.). Открытие темы, связанное с трудом из жизни рабочего
класса, русская живопись обязана Н.А. Касаткину (Углекопы. Смена 1895
г.).
Развитие традиций передвижничества происходит уже в советское время –
в деятельности художников Ассоциации художников революционной России
(АХРР). Последняя 48-я выставка ТПХВ состоялась в 1923 году.
Революционная борьба народа, человек труда, строительство новой жизни
оказались в центре внимания художников новой России, стали содержанием
нового советского искусства.
Социалистический реализм – творческий метод советского искусства,
подразумевающий правдивое, исторически-конкретное отображение
действительности в её революционном развитии в целях идейно-эстетического
воспитания трудящихся в духе социализма и коммунизма. Это реализм,
основывающийся на идеях марксизма-ленинизма, служащий развитию
социалистического общества. Его главные эстетические принципы –
правдивость, народность, партийность искусства.
Метод социалистического реализма не сводится к каким-либо формальным
признакам, он предполагает единые идейно-эстетические основы искусства, но
при этом – многообразие индивидуальностей, жанров, стилей, художественных
форм национальных особенностей.
Социалистический реализм воплощён в лучших произведениях советского
многонационального искусства, ныне ставших его классикой в живописи А.А.
Дейнеки и Б.В. Йогансона, А.А. Пластова и Ю.И. Пименова, П.Д. Корина и С.А
Чуйкова, Г.Н. Коржева, Е.Е. Моисеенко, А.А. Мыльникова и многих других
мастеров.
Для искусства социалистического реализма характерен новый тип
положительного героя – созидателя, активного борца за совершенствование
общественной жизни.
1.2 История развития казахстанской живописи.
На протяжении жизни многих поколений Казахстан был благословен
необыкновенно талантливыми людьми. Однако культура и традиции Казахстана
были практически неизвестны за его пределами.
Если окинуть взором всю историю Казахстана станет ясно, почему
живопись, очень долго, являлась чуждой материей для жителей этой страны.
Народ на территории Казахстана, являясь кочевым народом, не мог себе
позволить станковое искусство. Оно зародилось лишь тогда, когда в силу
различных обстоятельств осёдлость стала актуальной. Появились первые
научные экспедиции на территории Казахстана. А сними и первые художники
станковисты.
Одним из первых в составе первого Хивинского похода побывал в
казахских степях В.И. Штернберг (1801-1845г.г). Впервые увиденные им
природа степи, богатство и художественная яркость убранства юрты и
национальной одежды, покорили и восхитили художника, оставившего свои
впечатления в отчете экспедиции. Для знаменитого путешественника П.П.
Семенова - Тяншанского, почетного члена Академии художеств России,
коллекционера, творческий труд был неотъемлемой частью всех его
многочисленных экспедиций. Он много рисовал с натуры, писал акварелью,
пробовал писать маслом. Известна его работа Укрепление Верное.
В конце XIX- начале XX века Казахстан в разное время посетили
знаменитые русские художники: В. Верещагин, П. Кузнецов, Н. Рерих, В.
Рождественский. Они создали замечательные полотна на казахстанскую
тематику, вошедшие в сокровищницу евразийских памятников художественной
культуры. Картина У дверей мечети В. Верещагина, Мираж в степи П.
Кузнецова.
Трудно переоценить значение и роль творчества этих и других
художников для становления и развития казахского изобразительного
искусства. Используемые ими художественно- пластические и технологические
приемы станкового искусства стали тем творческим инструментарием, который
впервые применялся для воплощения образов степной культуры.
Одним из родоначальников портретного жанра в Казахстане стал Николай
Хлудов, который приехал в Казахстан в конце 70-х годов 19 века, был
участником этнографических экспедиций, оставил большое количество рисунков
и полотен с изображением здешней природы, жанровых сцен и местных лиц. С
1921 г. руководил первой художественной студией в Алма-Ате.
Имя Абылхана Кастеева (1904-1973г.г.) дорого каждому гражданину
Казахстана. Его именем названы лучший художественный музей страны,
художественное училище в г. Шымкенте, школы и улицы казахстанских городов.
Дети, студенты, приезжающие зарубежные гости начинают знакомство с
культурой страны с мемориального зала художника в Государственном музее
искусств имени Кастеева. Где перед ними наглядно разворачивается
художественная летопись истории республики. Искусству Абылхана Кастеева
чужды школы, направления и какие-либо идеологии. Природа наделила его
талантом и духовной независимостью, дававшими силы всегда оставаться самим
собой. Самым мощным движителем его творчества была любовь к родине, людям и
искусству, для которого он был рождён и которому был предан всю жизнь.
Абылхан Кастеев плодотворно и напряжённо работал до самого ухода из
жизни. В 60-70-х годах – время расцвета казахского советского искусства -
он создал серию произведений, связанных с тематическими установками. Его
творчество всегда будет светлым и радостным источником искренности и
подлинной любви к родине.
Сабур Мамбеев является одним из ведущих живописцев Казахстана. Он
относится к числу тех художников, которые пишут портреты хорошо знакомых,
близких ему людей; портреты возникают как следствие личных симпатий,
привязанностей. Очень часто оригиналами его портретов являются молодые
красивые девушки. Художник любит писать на природе, большое значение
придает пленэрной живописи со светом, красочностью светового решения, и
жизнь природы становится неотъемлемой частью портрета, как бы эмоциональным
ключом поэтического содержания. Девушка у окна" - первый большой
композиционный портрет, созданный Мамбеевым в 1958 году.
В портрете "Художница М. Лизогуб" (1959) Мамбеев сумел показать
индивидуальную неповторимость и своеобразие портретируемой. Образ художницы
получился глубоко психологическим. Манера письма свободная, мазок длинный и
широкий. Способ лепки лица угловатым мазком создает подвижную светоцветовую
вибрацию, что, в свою очередь, необыкновенно оживляет портрет.
Портреты, написанные Мамбеевым в 1960-е годы, отличаются строгой
простотой и сдержанностью композиции, глубиной передачи внутреннего мира
человека - "Портрет в синем", "Портрет в розовом", "Портрет в черном",
"Портрет в белом".
Разнообразие цветового решения и живописная красота его портретов
подчеркивают красоту самих моделей. Светлый мир поэзии и возвышенных
образов передан художником богатейшим живописным языком. Композиционный,
колористический и пластический строй картин так красив, гармоничен и
эмоционален, что невольно привлекает и захватывает зрителя.
Произведения Павла Яковлевича Зальцмана отличают постоянный и глубокий
интерес к духовному миру человека и своеобразие художественного языка. Он
создал целую галерею современников, в которой - строго натурные,
реалистические, хотя несколько идеализированные образы - "Студенты" (1968),
"Пловчиха" (1978-1980), "Гитарист" (1980), "Актриса" (1977).
Печальная самоуглубленность образа в "Портрете Л.Н. Глебовой" (1939)
резко контрастирует с яркой, почти карнавальной костюмировкой.
Творчество Нагимбека Нурмухамедова является одной из интересных
страниц изобразительного искусства Казахстана. Его произведения
складываются в своеобразные циклы. Он пишет много портретов: офицеров
флота, старшин и матросов, ветеранов, писателей, танцовщиц и актрис -
"Портрет танцовщицы Леры" (1957), "Портрет писателя С. Бегалина" (1958).
Здесь художник стремиться передать глубину и своеобразие человеческой
психологии, особенности индивидуального характера личности. В "Портрете
Заулихи" (1958) художнику удалось создать очень поэтический образ молодой
девушки.
Он создает поэтические женские образы, которые входят в серию
"Бразилия": "Бразильская мадонна", "Бразильские бусы" и портрет киноактрисы
Марии дела Коста. Наиболее интересным портретом из этой серии является
портрет художника Эмимано ди Кавальканти.
Энергичность письма, его материальная весомость убедительно передают
сильный и своеобразный характер, создают жизнеутверждающий образ художника,
творца. Соединяя холодные и горячие тона, художник достигает неожиданной
выразительности, своеобразной пластичности образа, цветовой и
композиционной его остроты. Цветовые контрасты, их сочетания, острая
гармония слабых и сильных тонов создают богатый смысловой и эмоциональный
подтекст произведения, углубляют его психологические качества.
Сегодня трудно представить искусство Казахстана без имени Сергея
Калмыкова (1891-1967). Человек, чьё непроницаемое одиночество вызывало
недоумение и насмешки окружающих и некоторых коллег по цеху, шут с лицом
христианского великомученика в бархатном берете и цветном камзоле из
старых театральных декораций, каким его помнят улицы Актюбинска и Алматы,
оказался Великим Мастером, Гением, жившем в собственном созданном мире и
оставившем его после ухода из жизни людям, как знак торжества таланта и
духа над плотью и обыденностью...Его искусство трудно анализировать обычными
методами, оно не подлежит описанию и инвентаризации, его можно только
воспринимать особенными фибрами души, или отвернуться, как незнающий иного
языка, откладывает непонятную книгу. Калмыков не создал собственной
стройной теории своего творчества. Искусство было для него формой
существования, способом освобождения от вулкана одолевавших чувств,
мыслей, образов. В его огромном литературном наследии – сплаве поэзии и
философии нет прямых формулировок художественной позиции или теоретических
установок. Это параллельное и единое с пластическими образами вербальное
пространство, где отдельные строки – лишь стрелки, указывающие путь для
открывшего эту дверь.
Честь открытия Калмыкова принадлежит композитору Е. Брусиловскому. По
заданию наркома просвещения Казахстана Т. Жургенова он поехал в Актюбинск,
чтобы пригласить Алма-Ату гастролировавший там Верхнее-Волжский театр, в
котором работал Калмыков. Брусиловского поразили афиши, автор которых ...был
опасным соперником Тулуз-Лотрека, а также двусторонние мягкие портативные
декорации. Так, вместе с театром, в Алма-Ату приехал Калмыков.
Художник прожил здесь тридцать лет. Видимо, он любил этот город – в
его работах много алматинских тем. Но в узнаваемых городских пейзажах, в
пульсации многоцветной живописной массы, особой калмыковской нервности
силуэтов и абрисов, как некий иноязычный акцент живёт отблеск другого мира.
Калмыков не оставил учеников и последователей. Настоящий, серьёзный
интерес к его искусству начал просыпаться только в последнее десятилетие
ушедшего столетья.
С уверенностью можно сказать, что именно с обретением независимости
Республики Казахстан, сокровища казахстанского изобразительного искусства
стали достойной частью культурных достижений человечества.
В произведениях современного искусства Центральной Азии оживает и ищет
возможности адекватного воплощения вековой потенциал духовного опыта её
народов. Внося в технологическое сознание человека конца ХХ века живую
связь тюркской культуры с природой, её выверенные представления о балансе
мира и человека, динамики и статики бытия, о взаимосвязи духовного и
материального существования, художники создают в полотнах свою
“национальную картину”, ”национальную модель мира”.
Тяга к универсальным категориям и свободная планетарность мышления,
свойственная казаху-жителю беспредельных степных просторов, бережная
чуткость к звучанию реальной красоты и прозрение сквозь неё духовной истины
и сакрального смысла земного мира, присущее узбеку, суровая прямота и
верность древнему духу чести киргизского характера, святое сохранение
традиций семьи и социума, уважение к иерархическим ценностям общества
туркмена. Эти и многие другие, качества и нюансы духовной жизни народов
Центральной Азии входят, благодаря искусству, в современные процессы
мировой культурной интеграции. Входят, добавляя к бесконечному многообразию
точек зрения на человечество и его место в мире, свой ракурс, свой вариант
истории и свою версию будущего.
Возможно, духовный опыт этих народов, выраженный в формах
изобразительного искусства, особенно ценен. Не только потребностью
воссоздать и, если возможно, возродить утерянную гармонию человека и
природы. Но и выражением духовной зрелости этносов, обретенной сквозь
череду невосполнимых утрат. Ценен пластическим воплощением сложных путей
национального самосознания, пришедшего через горечь понимания трагедии
родной природы и драмы социальных экспериментов. Живопись не просто
ассимилировала и претворила в творческую практику непростой процесс
динамики национального сознания века, но смогла выразить его особенности с
собой, присущей искусству обостренной силой.
Периоду развития казахской живописи 80-90-х годов присущ интенсивный
характер восстановления “национального космоса”, стремительно нарастающий
поворот к культурной памяти. Содержание художественных исканий во многом
составляет кропотливый, вдумчивый, аналитичный и в то же время страстный
процесс самопознания. Этот процесс возник не только на спонтанном уровне
новых свобод и возможностей искусства, появившихся благодаря политике
перестройки. Усиление национальной идеи в искусстве произошло в результате
обретения государственной независимости, но стало возможным, скорее, в силу
достижения нацией нового этапа духовной зрелости. Адекватно воплотилось в
искусстве благодаря тому, что достигнутый уровень национального
самосознания удачно соединился с ситуацией и возможностями самой живописи,
имевшей за плечами профессиональные качества, наработанные в течение
нескольких десятилетий ускоренного развития.
Этнокультурная самоидентификация продолжает осуществляться посредством
интерпретации устойчивых концептов сознания. Освоение художниками комплекса
традиционных ценностей отмечено в эти годы рядом характерных особенностей,
одна из которых – максимальное углубление в древнейшие истоки, корни,
архаику, попытка найти начало начал национального миропонимания; а другая
связана с предельным расширением сфер претворения и трансформации в
искусстве традиционных понятий и представлений. Увлечение архетипами,
первоначалами и первофеноменами становиться объединяющим признаком живописи
Казахстана.
Специфику и механизм взаимосвязи живописи и традиционной духовности
определяет принципиальность отношения к наследию как к неизменному
внутреннему ядру культуры. Транслируя в творческую практику традиционные
мотивы, понятия, темы, сюжеты, художники подчёркивают концептуальность
своего подхода к реализации национальной идеи как жизненно важного условия
развития национальной духовности на новом этапе самоопределения ... продолжение
Вы можете абсолютно на бесплатной основе полностью просмотреть эту работу через наше приложение.
Похожие работы
Дисциплины
- Информатика
- Банковское дело
- Оценка бизнеса
- Бухгалтерское дело
- Валеология
- География
- Геология, Геофизика, Геодезия
- Религия
- Общая история
- Журналистика
- Таможенное дело
- История Казахстана
- Финансы
- Законодательство и Право, Криминалистика
- Маркетинг
- Культурология
- Медицина
- Менеджмент
- Нефть, Газ
- Искуство, музыка
- Педагогика
- Психология
- Страхование
- Налоги
- Политология
- Сертификация, стандартизация
- Социология, Демография
- Статистика
- Туризм
- Физика
- Философия
- Химия
- Делопроизводсто
- Экология, Охрана природы, Природопользование
- Экономика
- Литература
- Биология
- Мясо, молочно, вино-водочные продукты
- Земельный кадастр, Недвижимость
- Математика, Геометрия
- Государственное управление
- Архивное дело
- Полиграфия
- Горное дело
- Языковедение, Филология
- Исторические личности
- Автоматизация, Техника
- Экономическая география
- Международные отношения
- ОБЖ (Основы безопасности жизнедеятельности), Защита труда
